Las 38 mejores películas de autos jamás hechas, clasificadas

Parece una buena apuesta que la película de autos siempre estará con nosotros. Por supuesto, una "película de autos" puede significar muchas cosas, desde una película de carreras hasta una road movie y, bueno, una película que simplemente se desarrolla entre los autos en general. De todos modos, demos un paso atrás y veamos algunas de las mejores películas de autos a lo largo de los años, y hagámoslo de una manera integral e inclusiva. Esta lista de películas es bastante ecléctica: incluye clásicos de engranajes, recursos de culto, noirs, éxitos de taquilla modernos, favoritos de cine de autor e incluso algunas oscuridades genuinas. En el camino, nos quedó claro que una "película de autos", más que nada, es una película en la que un automóvil juega un papel clave en la forma en que un personaje interactúa con el mundo, ya sea como un arma, una herramienta, un sueño, un escenario o una metáfora. Aquí están las 38 mejores películas de autos. (Y como de costumbre, nos hemos ceñido a una película por franquicia, para que no se pregunte por qué no hay media docena de películas de Fast and Furious en esta lista).

Esto es básicamente Tiburón con un auto, y es tan loco como suena. Un automóvil negro, presumiblemente de las profundidades del infierno, aterroriza a un pequeño pueblo, y el trabajo del agente de la ley local James Brolin es detenerlo. Absolutamente ridículo, a veces hasta ridículo. Pero esa es también su genialidad: debido a que este automóvil hace todo tipo de cosas que un automóvil nunca podría hacer, nunca se sabe qué esperar. Dirigida por Elliot Silverstein, esta película de terror de culto fue un pilar de los programas tardíos: cualquier niño que cambiaba de canal a altas horas de la noche en los años 80 cuando sonaban esos ominosos acordes de "Dies Irae" sabía que le esperaba algo especial.

Esta película no es exactamente la obra maestra que se anunciaba en ese momento, pero es una combinación fascinante de influencias pop: los clásicos concisos de los 70, los estilos New Age de los 80, la ironía moderna de la generación del milenio. era. El director Nicolas Winding Refn sabe cómo filmar la violencia, pero lo que es más importante, sabe cómo anticipar la violencia. Y utilizando a un Ryan Gosling casi cómicamente inexpresivo (interpretando a un conductor de acrobacias y un conductor de escapada, no muy diferente de Ryan O'Neal en The Driver), construye escenas elaboradas e inexpresivas que son desconcertantes en la forma en que prometen gráficos, brutales. horrores que la película muestra sólo ocasionalmente. Además, seamos realistas, la banda sonora es genial.

En este clásico de cine negro de 1958 ambientado en el mundo de los licores ilegales de montaña, Robert Mitchum interpreta a un joven veterinario que trabaja como transportista, uno de "esos hombres salvajes e imprudentes que transportan whisky ilegal desde su origen hasta su punto de distribución", utilizando -subir coches. Esta no fue una creación cinematográfica fantasiosa; era una subcultura real. Es posible que la película no tenga los detalles auténticos de esas películas clásicas de autos que comenzarían a salir una década más tarde, pero Mitchum es, y siempre será, el gato más genial de la pantalla. Dale un hot rod y de repente estará más genial.

"¡Se suponía que solo volarías las malditas puertas!" El estafador cockney Michael Caine, recientemente liberado del clink, organiza un atraco verdaderamente ridículo para robar $ 4 millones en lingotes de oro de la mafia del centro de Turín usando Mini Coopers. Es una pequeña película extraña y tonta, pero está llena de fragmentos encantadores, desde Noel Coward como un gángster aristocrático hasta Benny Hill como un profesor pervertido y la partitura jazzística de Quincy Jones. Lo más importante es que el atraco central y sus ridículas secuelas están maravillosamente bien ejecutados. Aunque bastante diferentes en tono y estilo, las películas de Fast and Furious le deben mucho a este burbujeante clásico de culto.

Jason Statham, quien ahora se unió a la franquicia Fast and Furious, obtuvo su primera franquicia interpretando a un conductor experto a quien se le paga por transportar carga, cualquier tipo de carga, sin hacer preguntas. Muchos de nosotros subestimamos esta película en ese momento; la tontería parecía ser demasiado, y el comportamiento estoico de Statham se sentía rígido, a pesar de su considerable destreza física. Pero a lo largo de los años, él y la película han crecido en nosotros, adquiriendo un brillo retroactivo maravillosamente surrealista. Esta es una película de acción divertida, despreocupada y tan francesa: el tipo de película que puede reducir la velocidad para reflexionar sobre las magdalenas y Proust antes de continuar con el caos. Ese, por supuesto, es el estilo de la casa EuropaCorp. La productora dirigida por Luc Besson también nos ha brindado las películas Taken, Lucy y muchos otros espectáculos de acción locos, cursis y arriesgados.

En parte Los ladrones de bicicletas, en parte El viejo y el mar, esta joya turca poco conocida es una historia hilarante y conmovedora de un pobre aldeano que va a trabajar a Alemania y ahorra para comprarse un adorado Mercedes amarillo. Con la esperanza de disfrutar de la gloria de su éxito ganado con tanto esfuerzo, intenta llevarlo de regreso a su pueblo, solo para encontrarse con muchos obstáculos en el camino, muchos de los cuales tienen que ver con su propia venalidad y materialismo, así como el infame de Turquía. conductores horribles. Una historia muy humana que logra ser también una aguda sátira social.

Peter Fonda y Adam Roarke interpretan a dos atracadores/corredores de cero a 100 que roban un gran supermercado, solo para terminar con la groupie de NASCAR (Susan George) con quien el personaje de Fonda se acostó la noche anterior. Alejándose a toda velocidad de la policía, primero en un Chevy Impala 68 mejorado y luego en un llamativo Dodge Challenger, el trío discute y bromea sin descanso. Mientras tanto, el cabreado y frustrado representante de la ley (Kenneth Tobey) que trata de coordinar la persecución tiene que lidiar con una incompetencia abyecta y una burocracia alucinante, así como con su propio deseo de revivir su juventud. No hay una sola persona en su sano juicio en esta película, pero las tremendas acrobacias, combinadas con la atmósfera sorprendentemente relajada de la película, han hecho de este un automóvil clásico.

Primero, unas palabras sobre el original: The Gone in 60 Seconds de 1974, dirigida por el doble de acción y el empresario de remolque/incautación HB Halicki, es una de las películas más extrañas de todos los tiempos, una serie de escenas de autos y acrobacias unidas con diálogos. que intenta transmitir una historia elaborada de un grupo de ladrones robando una gran cantidad de autos; está en el límite de lo imposible de ver. El remake es más o menos exactamente lo contrario: una película de atracos increíblemente hábil, producida por Jerry Bruckheimer y repleta de estrellas, que transcurre suave y fácilmente. Nicolas Cage es el maestro ladrón que tiene que robar 50 coches en 96 minutos. Sus compañeros de equipo incluyen a Robert Duvall y Angelina Jolie. Las piezas del juego de autos son ridículas y ridículamente agradables.

En su mejor momento, Will Ferrell puede triturar sin esfuerzo el machismo delirante, casi psicótico del hombre estadounidense, y puede hacerlo con una sonrisa. En NASCAR, encontró el objetivo perfecto. Una de las mejores y más grandes películas de Ferrell fue esta hilarante parodia de carreras, que siguió el ascenso y la caída y el ascenso de un presumido campeón de carreras, su complicada amistad con su mejor amigo y compañero de carreras John C. Reilly, y su rivalidad con un francés amanerado y presumido. interpretado por Sacha Baron Cohen. La película se mueve entre el triunfo del gallito y la humillación total con tanta facilidad que te mareas.

El clásico forajido de Burt Reynolds y Hal Needham fue el proverbial desvalido cinematográfico: se estrenó inicialmente en los estados del sur, sin pasar por los grandes mercados de medios y críticos, y solo gradualmente se abrió camino hacia el resto del país; este estreno teatral de base (que Steven Soderbergh intentó replicar años más tarde, con Logan Lucky) terminó convirtiendo a Smokey en el segundo mayor éxito del año, solo detrás de Star Wars. Reynolds interpreta a Bandit, quien con su Trans-Am sirve como un señuelo de alto vuelo para su amigo Snowman (Jerry Reed), quien conduce un camión lleno de cerveza Coors prohibida a través de las fronteras estatales. Sally Field es la novia fugitiva que viaja con ellos, lo que a su vez hace que el sheriff local (y su futuro suegro) Smokey Bear (¡Jackie Gleason!) los persiga. El director Needham era una leyenda en el mundo de las acrobacias (el personaje de Brad Pitt en Érase una vez en Hollywood se basa en parte en él) y llena la película con autos que aceleran, dan vueltas y dan vueltas. Pero lo que lo hace especial es la forma en que el viaje de Bandit, especialmente cuando se desarrolla en la radio CB, une a comunidades enteras, convirtiéndolo gradualmente en un héroe popular a medida que avanza la película.

En 1990, el director ruso Nikita Mikhalkov (que más tarde ganaría un Oscar por Burnt by the Sun) fue contratado para realizar un cortometraje promocional para Fiat, pero terminó creando este mágico cortometraje en su lugar. En esta evocadora y melancólica historia, un campeón de carreras italiano tiene la tarea de conducir un automóvil desde Italia hasta Rusia. En el camino, mientras las limpias carreteras de Europa dan paso a la nevada e imponente desolación de Rusia, la película se convierte en una inquietante meditación sobre la pertenencia: este hombre solitario, sin familia y aparentemente sin vida, pasa de tener cosas sin sentido, fugaces. interacciones hasta, sin darse cuenta, armar una familia sustituta extraña y disfuncional para sí mismo. Y como las mejores películas de autos, lo que parecía una historia mundana del hombre y la máquina se convierte en una metáfora de cómo vivimos nuestras vidas.

Jeff Bridges encontró uno de sus primeros papeles geniales con este drama sobre Junior Jackson, un joven y brillante corredor de alcohol clandestino que recurre al circuito de carreras de autos después de que su padre termina tras las rejas. Basado en una historia real, este es tanto un cuento sobre la mayoría de edad como una película de carreras de autos: desde los derbis de demolición en el hogar hasta el gran circuito de NASCAR, el viaje de Junior está lleno de ambición, tentación y creciente autoconciencia. Las escenas de los autos son ásperas, auténticas y, a menudo, profundamente convincentes, principalmente porque el rostro fresco de Bridges es muy carismático.

Tom Hardy se sienta en un automóvil, haciendo malabarismos con una variedad de deberes: una mujer con la que tuvo una aventura está a punto de dar a luz y él está tratando de llegar al hospital; tiene que supervisar de forma remota un inmenso "vertido de hormigón" para una nueva construcción (esto es mucho más importante de lo que parece, confíe en nosotros); y tiene que explicarle a su familia por qué no estará en casa para ver un gran partido de fútbol con su hijo. La tensión de la película no proviene de nada que tenga que ver con el automóvil, sino con la creciente urgencia de todas estas cosas que se abalanzan sobre nuestro héroe. Y Hardy, dando una de sus mejores actuaciones, es la viva imagen de la competencia tranquila y serena. A medida que su confianza comienza a desmoronarse, y su vehículo que acelera suavemente comienza a parecerse cada vez más a una prisión, la película se convierte en un suspenso casi vertiginoso.

Este esfuerzo de John Frankenheimer de 1966 y Le Mans de 1971 (ver la siguiente entrada) inicialmente comenzaron como epopeyas de carreras de estudio en competencia sobre el circuito europeo, y en algunos casos las películas terminaron terriblemente similares: autenticidad ridícula e impresionantes secuencias de carreras atenuadas por Hollywood pablum. Podría decirse que Grand Prix es el más "estudio" de los dos: Frankenheimer estaba trabajando a la altura de sus poderes, y las secuencias de carreras que armó con el legendario Saul Bass son deslumbrantemente intensas y hermosas, mientras que el paint-by El melodrama de números, sobre una variedad de conductores que participan en un deporte peligroso y las mujeres que los aman y ocasionalmente los traicionan, se ve elevado por algunas buenas actuaciones. (¡James Garner! ¡Yves Montand! ¡Toshiro Mifune! ¡Eva Marie Saint! ¡Jessica Walter!) Honestamente, es el tipo de película para la que existía el sistema de estudio. ¿Qué tan asombroso hubiera sido ver esto en 70 mm en la pantalla más grande imaginable?

Incluso más que Grand Prix, esto se siente como dos películas: una es básicamente un documental sobre la carrera de las 24 Horas de Le Mans de 1970, que presenta imágenes de los autos y pilotos reales, combinadas con impresionantes imágenes detrás de escena. (Según los informes, los cineastas filmaron una cantidad impía de películas, gran parte de la cual aparentemente se perdió). El otro es un drama extrañamente subdesarrollado sobre Steve McQueen que tiene un romance con la viuda del compañero conductor cuya terrible muerte teme haber causado. Por supuesto, McQueen probablemente estaba distraído: él mismo era un loco de las carreras y quería que la película tuviera la mayor autenticidad posible. De alguna manera, la narrativa empobrecida sirve para resaltar las escenas de carreras sorprendentemente auténticas: todo se desmorona para que podamos concentrarnos en los autos, que es claramente lo que hicieron los cineastas.

El gobierno iraní ha prohibido al director Jafar Panahi hacer cine, aunque de alguna manera no le ha impedido hacer algunas investigaciones realmente personales, de estilo documental, que cambian de forma, de su propia vida. Esta película se desarrolla completamente dentro de un taxi que Panahi conduce por Teherán, mientras diferentes personas entran y salen de su automóvil con sus propios dramas extraños y muy personales. No todo es tan no ficción como podría parecer a primera vista: muchas de estas interacciones parecen escritas y enfocadas, exponiendo sutilmente aspectos problemáticos de la sociedad iraní, así como el papel de Panahi en ese mundo. Es una película reveladora y apasionante. Y también es una gran versión existencial de la interioridad: en opinión de Panahi, el capullo creado por un automóvil entre el conductor y el exterior parece no ser diferente al que existe entre un artista y el mundo.

Pocas personas piensan en este clásico dirigido por Ridley Scott y escrito por Callie Khouri como una "película de autos", pero encaja totalmente cuando lo piensas. Huyendo de sus vidas opresivas, nuestros héroes, interpretados por Geena Davis y Susan Sarandon, toman la trayectoria estándar de liberación encarnada en la road movie machista y le dan un toque feminista. Al hacerlo, también asumen y transforman algunos de los elementos típicos de este tipo de películas: el arma, la aventura de una noche y, sí, el automóvil. Y el controvertido y muy discutido final de la película, con sus guiños a Butch Cassidy y Sundance Kid, así como los clímax de clásicos como Vanishing Point y Dirty Mary, Crazy Larry, adquiere un nuevo matiz cuando empiezas a pensar. de todo como una película de coches.

La adaptación de John Carpenter de la novela clásica de Stephen King es prácticamente la última palabra en autos poseídos. El adolescente tímido y nerd Keith Gordon se obsesiona con su nuevo Plymouth Fury de 1958 y comienza a volverse más agresivo, despiadado... diferente. ¿Es el coche? (Es totalmente el auto.) La loca premisa de King era atrapante en la página, pero la dirección fría y eficiente de Carpenter, junto con la actuación de as de las jóvenes estrellas Gordon y John Stockwell, quienes se convertirían en cineastas aclamados, lo convierte en algo más: una desagradable pesadilla de autorrealización adolescente.

El tenso thriller de Walter Hill sobre un doble estoico (Ryan O'Neal) que trabaja como conductor de escape fue una influencia clave en películas posteriores como Drive, pero en sí mismo es esencialmente una nueva versión automovilística americanizada del drama seminal de Jean-Pierre Melville. Le Samourai. Como en la película de Melville, un profesional sensato que se asegura de no tener ningún apego o equipaje emocional se siente atraído por un prójimo humano. Y poco a poco, su aislamiento (en este caso, representado por su automóvil) comienza a disolverse y se encuentra más vulnerable que nunca.

"Esta es la historia real de un hombre, un arma y un automóvil. El arma pertenecía al hombre. El automóvil podría haber sido tuyo...". Este thriller de 1953, uno de los grandes del cine negro de todos los tiempos, fue dirigido por la gran Ida. Lupino. Dos hombres que se dirigían a México para un viaje de pesca recogen a un autoestopista, que resulta ser un asesino psicótico. El hombre los toma como rehenes y hace que lo lleven a California. Ah, y les dice a los dos hombres que los matará cuando termine el viaje. La película es notable no solo por su tensión claustrofóbica y desgarradora, sino también por la forma en que juega sutilmente con la libertad de la floreciente cultura automovilística de Estados Unidos y la carretera abierta. El asesino es un hombre que, a pesar de todas sus ilusiones, se burla de la complacencia y la domesticidad de los otros hombres, lo que convierte a este thriller en un precursor de todo, desde Easy Rider hasta The Hitcher y Collateral.

La road movie de culto surrealista de Richard Sarafian tiene a un misterioso fanático de la velocidad (en todos los sentidos de la palabra) que dirige a la policía en varios estados del oeste en una persecución épica mientras se encuentra con una sección transversal de lavados posteriores a los años 60 y recuerda los diversos eventos de su vida. (incluido un espectacular accidente en la pista de carreras). Mientras tanto, un locutor de radio ciego de un pueblo pequeño narra, alienta y mitifica el viaje. A partes iguales, la película de arte y ensayo y el clásico fetichista de autos funcionan muy bien gracias a la habilidad del director Sarafian para filmar una persecución, así como a su sensibilidad por el paisaje.

La película biográfica de Ron Howard sobre la rivalidad de los años 70 entre los corredores de Fórmula Uno Niki Lauda (Daniel Brühl) y James Hunt (Chris Hemsworth) es exagerada en todos los sentidos. El director siempre ha tratado a grandes rasgos, y aquí enfrenta a estos dos hombres como opuestos elementales: el Nerdy Scrivener versus el Easygoing Hedonist. Los dos protagonistas son excelentes y mantienen la historia un tanto predecible de competencia obsesiva en tierra. A medida que se desarrolla su rivalidad, y con ella, por supuesto, su amistad, la película también nos brinda secuencias grandes, audaces y locas que capturan el peligro y el encanto de las carreras. Nos estremecemos de terror y seguimos pidiendo más. Es una película maravillosa que, por alguna razón, fue ignorada por el público.

La ambiciosa epopeya de comedia criminal, romance, musical y acción de Edgar Wright, sobre un joven y brillante conductor de escapadas obsesionado con el iPod (Ansel Elgort) que intenta liberarse del jefe de la mafia (Kevin Spacey) para quien ha estado trabajando, presenta algunos de los más surrealistas. locas persecuciones de autos de todos los tiempos, perfectamente coreografiadas con la mejor banda sonora de rock de siempre. Esa conexión crucial entre los autos y la música ciertamente ha sido explorada por otros cineastas a lo largo de los años, pero Wright va más allá: encuentra en la conexión primaria del protagonista con los autos y la música un símbolo conmovedor de su aislamiento emocional, su necesidad de mantener el mundo en su lugar. bahía.

El director Francis Ford Coppola y el productor George Lucas se unieron para esta película biográfica deslumbrante, hermosa y sorprendentemente personal sobre el inventor de la posguerra Preston Tucker (Jeff Bridges), quien se enfrentó a las grandes compañías automotrices como un fabricante de automóviles independiente y efectivamente fue aplastado. Pero en la narración de Coppola y Lucas, Tucker obtuvo una especie de victoria. Muchos de sus inventos e innovaciones, como los cinturones de seguridad, son comunes hoy en día, y la película trata su historia con cierta ironía como una de triunfo. Es fácil ver cómo estos dos poderosos cineastas independientes, especialmente Coppola, para quien este fue un proyecto de ensueño a largo plazo, podrían reconocerse en esta historia de un hombre obstinado y brillante que intentó jugar en el mismo escenario con sus más poderosos y despiadados. competidores.

El drama romántico clásico de Stanley Donen presenta a Albert Finney y Audrey Hepburn como una pareja casada acomodada y amargada que conduce su Mercedes a través de Francia mientras recuerdan eventos clave de su vida juntos, muchos de los cuales también los involucran conduciendo a algún lugar. Escrita por Frederic Raphael (quien había escrito Darling y luego escribiría Eyes Wide Shut), la película es un fascinante retrato de cómo el amor decae. Y en su movimiento constante, con su tempo casi frenético, sugiere que el tiempo, al igual que ese Mercedes, es una especie de prisión cuando se trata de amor. El tono extraño de la película, propulsor pero melancólico, cortante pero reflexivo, parece encarnar el hecho de que nada permanece igual.

En la dramatización épica del director James Mangold de los intentos de Carroll Shelby (Matt Damon) y Ken Miles (Christian Bale) de principios de los años 60 de construir un auto de carreras estadounidense que pudiera vencer a Ferrari en la carrera de 24 horas en Le Mans, coexiste la jerga tecnológica experta en engranajes. con secuencias de conducción intensas, tú estás allí. Bale ofrece una de sus mejores interpretaciones como un ingeniero y conductor fanfarrón, brillante y sin tonterías, y el turno de Tracy Letts como Henry Ford II alterna asombrosamente entre fanfarronería machista y asombro patético, pero las verdaderas estrellas del espectáculo son los coches. a menudo filmado desde el interior para crear un trabajo increíblemente inmersivo. Mientras que otras películas de autos se han dirigido en direcciones más surrealistas y conscientemente artificiales, esta se mantiene en tierra, con resultados maravillosos: es la película de autos clásica como un éxito de taquilla moderno.

El homenaje de Quentin Tarantino a las películas de explotación de grado Z y las películas de autos de culto, presentada inicialmente como la mitad de la película ómnibus Grindhouse, es una excelente película de terror, la mejor película de acrobacias automovilísticas y una extraña película para pasar el rato, llena de los longueurs patentados del director. y escenas extendidas de diálogo aparentemente irrelevante. Tarantino nos da un conductor de acrobacias (Kurt Russell) que se dedica a matar coches llenos de mujeres desprevenidas. En la primera mitad de la película, lo vemos acechar y consumir a su presa; en la segunda mitad, vemos a un grupo de víctimas mientras se defienden. La película es conmovedora, seductora y emocionante en igual medida, pero como muchas de las mejores películas de Tarantino, también tiene la cualidad experimental y lúdica de un rompecabezas narrativo.

El difunto director iraní Abbas Kiarostami hizo tantas películas ambientadas en autos y alrededor de ellos que a veces desearía que hubiera tenido una entrega de Fast and Furious, solo para ver qué locura podría haber inventado. En este drama ganador de la Palma de Oro, un hombre iraní de mediana edad conduce buscando a alguien que lo entierre después de suicidarse. Esa es una configuración deprimente, pero la película es mucho más suave. Kiarostami usa el automóvil como una herramienta psicológica y sociológica: representa el aislamiento de nuestro personaje, pero también representa una forma en que las personas pueden tener interacciones privadas en este estado religioso fuertemente vigilado. A medida que Kiarostami nos presenta escenas extendidas de su protagonista conduciendo, el paisaje deslizándose más allá de sus ventanas, surge algo fascinante e incluso emocionante. A su manera, esta es una película de autos tan buena como algo más icónico, como Vanishing Point o Two-Lane Blacktop.

En uno de los grandes y subestimados thrillers de las últimas dos décadas, los hermanos Paul Walker y Steve Zahn (el primero es un romántico de cara fresca, el segundo es un ex convicto suelto) compiten por la co-ed Leelee Sobieski mientras se enfrentan a un camionero psicópata sin rostro con el que jugaron en el CB. Sexo y autos: el director John Dahl saca a relucir los trasfondos inquietantes incluso mientras orquesta algunas escenas fantásticamente aterradoras. Interpretando a un perdedor simpático pero egoísta, Zahn nunca ha estado mejor; y el infantil y encantador Walker enloquece como si no fuera asunto de nadie; el mayor activo de la película es la química fraternal entre estos dos.

No era tanto que las películas anteriores de Fast and the Furious fueran realistas. Pero a su manera loca, se habían adherido a cierta apariencia de plausibilidad. Con su enfoque en la subcultura de las carreras callejeras y en las capacidades específicas de los autos en sí, eran películas de explotación de autos amplificadas. Sin embargo, con la quinta entrada en la franquicia, la serie se convirtió en Bond, convirtiéndose en una fantasía internacional de escenarios cada vez más fantásticos, cada uno más ridículo que el anterior. No había ninguna razón para que funcionara, pero el director Justin Lin (que ahora ha dirigido cinco de estas películas, en el proceso de convertir esta franquicia de una taquilla también en un fenómeno internacional) capturó el tono alegre y caricaturesco correcto. para que todo cante. Furious 7 estuvo cerca de superarlo, y quién sabe, tal vez lo haga con el paso del tiempo, pero por ahora, Fast Five sigue siendo el pináculo de esta serie.

¿Cómo describir la adaptación de Lana y Lilly Wachowski de la popular serie de anime de la década de 1960? Llamar a esto "acción en vivo" realmente no haría justicia a su cinético remolino, sus colores deslumbrantes y su narrativa intrincada y salvajemente emocional y su ritmo de demonio de velocidad; es como estar atrapado dentro de un caleidoscopio durante dos horas, de la mejor manera posible. Speed ​​Racer de Emile Hirsch es todo conducción mientras intenta redimir el legado de su hermano Rex, supuestamente muerto (John Goodman y Susan Sarandon interpretan a sus padres, y Christina Ricci a su novia, Trixie) y los Wachowski filman las cosas familiares con el mismo frenético color de caramelo. aportan a las secuencias de carrera. Los directores entienden que el atractivo del original no tenía nada que ver con los autos y todo que ver con el espectáculo de dibujos animados y la emoción extrema. Como resultado, no intentan que sea realista de ninguna manera; en todo caso, su Speed ​​​​Racer se ve incluso más falso que la serie. Pero los efectos innovadores prácticamente crean un nivel alternativo de ser: algo más allá de la mera animación o la mera acción en vivo. Nunca has visto algo como esto. Y fue un fracaso, así que probablemente nunca vuelvas a ver nada igual.

Aunque se hizo para la televisión, la mayoría de la gente considera que esta es la primera película real de Steven Spielberg. Sin duda, es la primera vez que tenemos una vista completa de su increíble talento. Dennis Weaver es el viajero apacible atrapado detrás del volante de un automóvil que está siendo aterrorizado por un misterioso camión con remolque sin razón aparente. Lo que comienza como un pequeño thriller apretado se convierte en un fascinante estudio sobre la masculinidad. Weaver es el Eterno Pushover, el tipo que siempre es pisoteado y empujado a un lado. Su enorme, bestial y aparentemente indestructible perseguidor es todo lo que él no es. El ir y venir entre estas dos figuras, entre, esencialmente, el hombre y el destino, tiene una deliciosa y delirante patada existencial. Además, esta película, escrita por Richard Matheson, es simplemente emocionante.

En la obra maestra de Leos Carax, el enigmático Monsieur Oscar (Denis Lavant) recorre París en una limusina, habitando personajes muy diferentes en el camino; cada escena aparentemente resulta en un gran momento emocionalmente catártico... antes de que Oscar pase casualmente a lo siguiente. . ¿Qué demonios es esto? ¿Una alegoría religiosa? ¿Una metáfora sobre la actuación y/o el cine? ¿Una meditación sobre la naturaleza en constante cambio del mundo moderno? ¿Una visión de un alma a la deriva? Una cosa es segura: en esa imagen recurrente de Oscar paseando por la ciudad en su limusina, Carax captura una metáfora visual perfecta para el viaje episódico y ligeramente distanciado del personaje a través de esta existencia extraña y fragmentada.

El clásico de culto de Alex Cox es una comedia inclasificable sobre un chico punk de los suburbios (Emilio Estévez) que se enamora de un veterano repo (Harry Dean Stanton) y aprende "el código repo", mientras que una historia que involucra extraterrestres robados, criminales punk, gobierno agentes, teleevangelistas y ex-hippies se arremolinan a su alrededor. El director Cox aborda el consumismo, la mercantilización, el capitalismo y el conformismo, pero no es un regaño. Tiene esa habilidad única de crear una sátira mordaz al mismo tiempo que evoca personajes ridículamente memorables, sin permitir que su justa ira se interponga en el camino de su humanismo. El resultado es una película que definió el espíritu punk para toda una generación de espectadores.

El thriller de Michael Mann sobre un taxista de Los Ángeles (Jamie Foxx) y su pasajero asesino a sueldo (Tom Cruise) es absolutamente una película de autos, en caso de que se esté preguntando: se trata de cómo el taxi de Foxx representa un capullo seguro a través del cual experimenta el mundo, y que le impide apoderarse de la vida que podría estar viviendo. Cuando el asesino de cabello blanco de Cruise entra en ese capullo, comienza a hurgar en el sentido de sí mismo cuidadoso y controlado de Foxx; el viaje en taxi desde el infierno resulta ser un rito de iniciación. Qué apropiado, entonces, que la afirmación más importante de Foxx de su identidad se produzca cuando totaliza el taxi con los dos en él. Mientras tanto, los amados paisajes urbanos de Los Ángeles de Mann nunca han sido más vívidos o hermosos.

La road movie clásica (y clásicamente tranquila) de Monte Hellman sobre un conductor (James Taylor), un mecánico (Dennis Wilson) y una chica (Laurie Bird) que compiten con un hombre en un GTO (Warren Oates) a campo traviesa es el tipo de mal humor , película seductora que desea ver una y otra vez, y que revela un poco más cada vez que la ve. Coescrita por Rudy Wurlitzer, la película no es exactamente una metáfora, no es exactamente un drama. En cambio, en las interacciones ocasionalmente desconcertantes entre estos personajes, se crea un pequeño y extraño ecosistema de competencia, codependencia, resentimiento y alienación. Pero lo más inolvidable son las fantásticas secuencias de conducción y las actuaciones casi casualmente fascinantes, con James Taylor como protagonista perfectamente intenso (y sorprendentemente carismático), un contraste ideal para el locuaz y ligeramente indefenso Oates.

La serie Mad Max siempre ha sido la más grande de las franquicias de películas de autos: mezcla las visiones distópicas del director George Miller con una filmación altamente estilizada y alucinantes acrobacias automovilísticas de la vida real. El debate probablemente será eterno en cuanto a si Fury Road (la cuarta entrada) supera a The Road Warrior (la segunda), pero es difícil negar que esta entrega más reciente potencia cada uno de los elementos antes mencionados: la distopía es aún más oscura, la el cine más estilizado y las acrobacias más locas. Incluso el protagonista es más sombrío que antes, con Tom Hardy superando fácilmente a su predecesor Mel Gibson. Y, por supuesto, esta imagen es la que nos regala personajes tan imborrables como la Imperator Furiosa e Immortan Joe. Aún así, lo realmente increíble de Fury Road es cómo, en medio de sus implacables y propulsoras secuencias de acción (y esta es realmente una película que casi nunca se calma), aprendemos mucho sobre estos personajes y el aterrador mundo en el que habitan. Es una pesadilla despierta, un emocionante viaje impresionante y una obra de arte desconcertante.

Sin quejarse. Es totalmente una película de coches. Claro, la obra maestra de Martin Scorsese no es un clásico de engranajes; no encontrarás locos por los autos fetichizándolo ni nada por el estilo. Pero este estudio de la soledad, la locura y la violencia tiene que ver con la forma en que el taxista Travis Bickle (Robert De Niro) se desplaza por la ciudad: las calles húmedas y llenas de humo forman una visión del infierno mientras se deslizan más allá de su parabrisas. En la forma en que crea una frontera aparentemente impermeable entre Travis y el mundo, y en la forma en que las figuras que suben a su cabina, cada una a su manera, penetran su sentido de identidad, esto no es solo una película de autos; es la última película de coches.