Las 50 mejores películas de asesinos en serie de todos los tiempos

Recientemente, en 2017, una organización sin fines de lucro que estudiaba asesinatos sin resolver en la base de datos del FBI estimó que puede haber hasta 2,000 asesinos en serie activos en los Estados Unidos en un momento dado.

Baste decir que no son todo lo relacionado con la trama de una película de terror clásica. Pocos son caníbales. Pocos viven en viejas mansiones laberínticas con pasadizos secretos y una mazmorra privada en el sótano. Menos aún dejan criptógrafos endiabladamente complejos para que un detective acosado y fumador empedernido y su compañero debatan entre platos de huevos grasientos y café solo. La realidad más aterradora es que muchos de ellos pasan como la gente "promedio" con la que interactuamos todos los días. Así es como parecen ir estas historias: un asesino en serie no es el extraño de aspecto siniestro que acaba de llegar a la ciudad; es ese vecino tranquilo de al lado que "se mantuvo solo, en su mayoría". Pero eso no es lo que ves en las películas de asesinos en serie.

Quizás es por eso que el cine tiene tanta fascinación con la versión más grandiosa y maníaca del asesino en serie: estas historias nos emocionan incluso cuando nos distraen del peligro más apremiante y la mundanidad del mal cotidiano. De todos modos, el concepto de "un asesino suelto" ha sido un suelo cinematográfico rico durante casi todo el tiempo que ha existido la película. Remóntese a la década de 1920 El gabinete del Dr. Caligari y lo que básicamente tiene es una historia de asesinos en serie, aunque, uno en el que los asesinatos los lleva a cabo un sonámbulo hipnotizado. Pero el punto se mantiene.

A continuación, reunimos las 50 mejores películas sobre asesinos en serie: una galería de pesadillas de asesinos tanto fantásticos como inquietantes todos los días. De acuerdo, hay muchas películas sobre personas que mueren en serie, demasiadas para tenerlas en cuenta y compararlas sin algunos parámetros básicos. Entonces, así es como estamos definiendo la idea de las películas de asesinos en serie.

Los asesinos en estas películas deben ser humanos. Los vampiros, los hombres lobo y los tiburones gigantes matan en serie, pero no son "asesinos en serie" per se.

Los asesinos no pueden poseer poderes o habilidades sobrenaturales manifiestas. No pueden ser fantasmas o aparecidos no-muertos. Esto significa, por ejemplo, que Michael Myers de Halloween todavía puede calificar, ya que definitivamente es un ser humano, mientras que Jason Voorhees de Friday the 13th o Freddy Krueger de A Nightmare on Elm Street no lo hacen, dado que uno es (típicamente ) un golem no-muerto y el otro es un monstruo de ensueño sobrenatural.

En última instancia, todas estas son historias sobre seres humanos genuinos que matan a otros seres humanos. ¿Entiendo? Hay un cruce obvio con nuestra lista de las mejores películas slasher de todos los tiempos, así que asegúrate de revisarlo también.

50. PiecesYear: 1982 Director: Juan Piquer Simón

Pieces es el tipo de slasher de principios de los 80, tonto y que se rasca la cabeza, en el que es difícil decidir si el director está tratando de parodiar astutamente el género o realmente cree en lo que está haciendo. Independientemente, Pieces es una película deliciosamente estúpida, que presenta a un asesino que asesina a su madre con un hacha cuando era niño después de que ella lo regaña por armar un rompecabezas travieso para adultos. Ya adulto, acecha a las mujeres en un campus universitario y corta "piezas" para construir una mujer de rompecabezas de la vida real. Las secuencias de asesinatos individuales de la película son total y absolutamente locas, la mejor es una secuencia en la que la protagonista femenina camina por un callejón oscuro y de repente es atacada por un "profesor de kung fu" vestido con un chándal interpretado por el actor de "Brucesploitation" Bruce Le . Después de que ella lo incapacita, él se disculpa, dice que debe haber tenido "algo malo de chop suey" y sale de la película. Todo lleva menos de un minuto. Pieces también cuenta con uno de los mejores eslóganes cinematográficos de todos los tiempos: "Pieces: ¡Es exactamente lo que crees que es!" Como dice Schlock, es un clásico no anunciado. —Jim Vorel

49. The Clovehitch Killer Año: 2018 Director: Duncan Skiles

La vida en la América cristiana de un pequeño pueblo puede tener un efecto embrutecedor en una persona, absorbiendo toda personalidad y vitalidad, reemplazando toda identidad individual con una mejor vida a través del dogma. En The Clovehitch Killer, el director Duncan Skiles replica este cebo y cambio a través de la cámara del director de fotografía Luke McCoubrey. La película está filmada inmóvil, la cámara más o menos fija de una escena a la siguiente, como si estuviera afectada por la vibración del tarareo rutinario en su escenario de Somewhere, Kentucky. Casi ninguno de los personajes que conocemos en la película tiene chispa; son drones encargados de mantener la integridad de la colmena contra los intrusos que, Dios no lo quiera, se molestan en ser alguien. Atrapado en esta dinámica está Tyler (Charlie Plummer), torpe, callado y tímido, el hijo de Don (Dylan McDermott), un manitas y líder de la tropa Scout, lo que genera una consternación inexpresable para Tyler como Scout. En la superficie, Don también se ve y actúa como un autómata, con toques ocasionales de humor y calidez en su calidad de padre y Scoutmaster. Debajo, sin embargo, hay algo más, al menos eso sospecha Tyler: The Clovehitch Killer, un asesino en serie que una vez atormentó su área con una horrible ola de asesinatos que terminó hace mucho tiempo. O tal vez no. Tal vez Don solo tiene un verdadero fetiche torcido y mantiene la cuerda alrededor para divertirse en el dormitorio. De cualquier manera, los padres no siempre son quienes o lo que parecen.

Las películas de terror tienen que ver con el retorcimiento, la acumulación angustiosa de tensión a lo largo del tiempo que, hecha correctamente, deja a los espectadores arrastrándose de miedo. En The Clovehitch Killer, esta sensación se forja completamente a través de la artesanía en lugar de los efectos. Esa maldita cámara, inmóvil y sin moverse, siempre está feliz de filmar lo que está frente a ella, nunca para captar nuevos ángulos. Lo que ves es lo que te muestra, pero lo que te muestra puede ser más horrible de lo que puedes digerir de un vistazo. Esta es una película diabólica que hace maravillosamente lo que las películas de terror están destinadas a atormentarnos con miedo a través de los medios más engañosamente simples. —Andy Crump

48. The Hitcher Año: 1986 Director: Robert Harmon

En las películas de terror, hay algo atractivo para un asesino implacable e imparable cuya única motivación es destruir la vida inocente con un fervor nihilista, casi sobrenatural. Parte de la razón por la que el Halloween original sigue siendo tan aterrador radica en su capacidad escalofriante y sin esfuerzo para presentar a Michael Myers como una figura de la muerte misma: sin razón, sin rima, no se detendrá hasta que dejes de respirar. The Hitcher original opera en muchos de los mismos niveles, como la simplicidad de su premisa sobre una pareja (C. Thomas Howell y Jennifer Jason Leigh, que asume un papel dual, como las mitades superior e inferior de su cuerpo) acosada por un autoestopista maníaco asesino (Rutger Hauer) aprovecha al máximo el misterio sin resolver que rodea las motivaciones del asesino. (Transforme el camión de Duel en Rutger Hauer, y obtendrá The Hitcher.) La película del director Robert Harmon proyecta un aura apropiadamente repulsiva y de bajo grado, que encaja perfectamente con el punto de vista filosófico del asesino, un enfoque estético que elude a los creadores de el desafortunado remake de 2007, que parece demasiado brillante para trabajar en un nivel visceral. Además, con el debido respeto a Sean Bean, no es Rutger Hauer. —Oktay Ege Kozak

47. The Boy Behind the Door Año: 2021 Director: David Charbonier, Justin Powell

La historia de abducción infantil/asesino en serie de The Boy Behind the Door no es la nostalgia, aunque si eres un adulto, puede sentirse de esa manera. El poder de la amistad es lo que mantiene el corazón de esta película bombeando sangre fresca hasta el final. Hay algo tan dulce e inquebrantable en un verdadero parentesco infantil, y ese preciado vínculo está maduro entre Bobby y Kevin. Son la roca del otro, y sus diálogos e impulsos de carácter solidifican esta importante pieza del rompecabezas que los ayuda en todo momento. Su mantra, "amigos hasta el final", los sostiene a través de sus pruebas y tribulaciones, y está más que claro que su conexión simbiótica es su mayor activo. Es fácil, como espectador, sentir una catarsis profunda con este elemento y tu mente regresará a esos idílicos momentos de la infancia con quien fuera tu mejor amigo. Pero parece que los cineastas también se propusieron llevar esos sentimientos un paso más allá: su historia te hace sentir tan agradecido por esos tiempos, en medio de la incertidumbre de la vida y la insidiosidad de la humanidad, que el sentimiento te inquieta. Y, como The Boy Behind the Door, debería. —Lex Briscuso

46. ​​Summer of Sam Año: 1999 Director: Spike Lee

Summer of Sam técnicamente no se trata del asesino Son of Sam, que aterrorizó a la ciudad de Nueva York durante el verano de 1977 con su arma preferida, una pistola calibre 44; es un regreso para el director Spike Lee a explorar cuánto daño irreversible sin fundamento. la paranoia y los prejuicios desenfrenados pueden afectar a los vecindarios, las amistades y las relaciones. En cierto modo, Summer of Sam funciona como un mini-Do The Right Thing recauchutado, centrándose menos en la raza y más en cómo la sociedad margina a las personas que, por cualquier razón, son diferentes. Cuando Richie (Adrian Brody) regresa a su conservador barrio italiano vistiéndose y actuando como un miembro orgulloso de una banda punk británica, la reacción inmediata de sus viejos amigos es que es un bicho raro, por lo que debe ser el responsable de los asesinatos que asolan la ciudad. . Lee trata las hazañas de Son of Sam como una trama secundaria (Summer of Sam puede sentirse un poco hinchado y demasiado largo, en realidad, con demasiados personajes y tramas secundarias) en realidad funciona para aumentar el impacto visceral de los asesinatos de la película: las escenas de muerte carecen de el suspenso habitual de una película estándar de asesinos en serie, de modo que cuando el asesino se acerca casualmente a sus víctimas y vacía su arma, la violencia comienza repentinamente y termina repentinamente, permitiéndonos contemplar la sencillez de la misma, en contraste directo con más secuencias extrañamente macabras, como cuando el asesino tiene una conversación con un perro. —Oktay Ege Kozak

45. Creep 2Año: 2017 Director: Patrick Brice

Creep no era una película que pedía una secuela. Sobre uno de los asesinos en serie más singulares del cine, un hombre que aparentemente necesita formar vínculos personales estrechos con su presa antes de enviarlos como testimonios de su "arte", el original de 2014 fue lo suficientemente autosuficiente. Pero Creep 2 es ese raro seguimiento en el que el objetivo parece no ser "hagámoslo de nuevo", sino "vamos más profundo", y por más profundo, queremos decir mucho más profundo, ya que esta película sondea la psique del psicópata central ( quien ahora pasa) Aaron (Mark Duplass) de maneras totalmente inesperadas y sorprendentemente sinceras, mientras somos testigos (y de alguna manera simpatizamos con) un asesino que ha perdido su pasión por el asesinato y, por lo tanto, su entusiasmo por la vida. En verdad, la película casi renuncia a la idea de ser una "película de terror", y se mantiene como tal solo porque conocemos las atrocidades que Aaron ha cometido en el pasado, mientras se convierte en un drama interpersonal mucho más sobre dos personas que exploran los límites de la confianza y la vulnerabilidad. Desiree Akhavan es deslumbrante como Sara, la única otra protagonista principal de la película, creando un personaje que es capaz de conectarse de una manera humanística con Aaron a diferencia de lo que un fanático de la primera película podría pensar posible. Dos artistas lo muestran todo, tanto literal como figurativamente: Creep 2 es una de las películas de terror más sorprendentes y emocionalmente resonantes de los últimos tiempos. —Jim Vorel

44. Serial Mom Año: 1994 Director: John Waters

John Waters, siempre clarividente y sofisticado, presagiaba la verdadera fijación por el crimen de Estados Unidos, a raíz de los juicios de los hermanos Menéndez y Pamela Smart, incluso antes del revolucionario To Die For de Gus Van Sant, y en el resplandor de los asesinatos de OJ Simpson, con la irónica mamá en serie. Con una farsa al frente, Waters entiende completamente el poder de hacer que Kathleen Turner interprete a la asesina titular, una mujer cuyo atractivo, domesticidad y estatus de clase le permiten la simpatía inmerecida y el perdón que sus despreciables crímenes requieren para continuar, pero nunca rehuye la yuxtaposición. la simpatía del comportamiento de Beverly Sutphin (Turner) con la naturaleza pútrida de su psique, produciendo una película tan perturbadora como hilarante sobre el núcleo corrupto de los anhelos de la sociedad por esas cosas de mierda. Incluso cuando su familia intenta frenar sus formas homicidas, Beverly logra terminar con la vida de aquellos cuyas vidas quiere terminar, su esposo (Sam Waterston) y su hija (Ricki Lake) y su hijo (Matthew Lillard) indefensos contra la marea de índices de audiencia. y números de Nielsen trabajando para frustrarlos. Con poco espacio para el debate, Waters nos echa la culpa de tan despreocupada miseria e insiste en que con cada pizca de miseria de los reality shows que consumimos, alentamos a otro psicópata a dar ese paso extra hacia sus propios 15 minutos de siniestro estrellato. —Dom Sinacola

43. Viuda Negra Director: Bob Rafelson Año: 1987

Llevando el concepto de femme fatale a extremos literales, el director Bob Rafelson, cuyos créditos incluyen Five Easy Pieces y la nueva versión de 1981 de The Postman Always Rings Twice, ofrece un noir moderno elevado por dos interpretaciones estelares. Debra Winger interpreta a Debra Winger como una agente del FBI, Alex, que se obsesiona con el perpetrador de una serie de matrimonios sin resolver y luego asesinatos. Theresa Russell iguala nota por nota como la zorra cazafortunas Catharine, que es tan buena en la estafa larga como en el juego del gato y el ratón con el monótono traje de Winger. Luego está la asombrosa cantidad de investigación involucrada: Catherine sobre las pasiones de sus próximas víctimas, Alex sobre su sospechoso. Es inteligente, con comentarios de género puntiagudos para arrancar. La simple Jane Fed juega a ser amiga del camaleón glamoroso, mientras que el gran director de fotografía Conrad L. Hall (Cool Hand Luke, American Beauty) extrae suspenso en las sombras, lo mejor para resaltar los ojos acerados y el barniz de porcelana de Russell: es escalofriante. Puntos de bonificación por un cameo gracioso de Dennis Hopper como una de las marcas de Catharine, y una Diane Ladd lascivamente de uñas largas como uno de sus parientes. —Amanda Schurr

42. Death ProofAño: 2007 Director: Quentin Tarantino

Kurt Russell interpreta al asesino en serie Stuntman Mike en Death Proof, la mitad de Grindhouse de doble función de Quentin Tarantino, pero los autos son las verdaderas estrellas. Tal como lo hace en todas sus obras, Tarantino llena las vidas de su diversa colección de personajes con su mezcla característica de diálogo cultural pop mundano y violencia insana. En una emocionante secuencia, la doble de riesgo de la vida real, Zoe Bell, se cuelga precariamente del capó de un automóvil en marcha en lo que es una de las mejores escenas de persecución en la historia del cine. En última instancia, Death Proof nunca se considerará una de las "obras principales" de Tarantino, especialmente después de las recientes revelaciones del accidente automovilístico de Uma Thurman en el set de Kill Bill, pero aún así es una inyección satisfactoria de adrenalina ver a Stuntman Mike finalmente obtener lo que se avecina. a él. —Tim Basham

41. Deranged: Confessions of a Necrophile Año: 1974 Directores: Alan Ormsby, Jeff Gillen

Imaginar a Deranged como la precuela suelta de Solo en casa convierte las historias fantásticas de Buzz sobre el espeluznante vecino de al lado en verdaderas pesadillas. En la desagradable curiosidad de culto canadiense de Alan Ormsby y Jeff Gillen, Roberts Blossom interpreta a Ezra Cobb (su único papel protagónico, aunque nunca se acercó a la cantidad de atención que atrajo como el incomprendido Old Man Marley), un bicho raro profundamente inquietante de un pueblo pequeño. que alberga una obsesión inquietante con su madre recientemente fallecida, que por supuesto se convierte en una juerga asesina para reunir más cadáveres para hacerle compañía al cadáver de su madre. Como la mayoría de las historias sobre asesinos en serie, las aflicciones mentales de Ezra se basan generosamente en la fascinación mórbida de la cultura pop con los individuos trastornados que existen en todos los rincones domesticados del planeta, disfrazando sus neurosis para funcionar dentro de la sociedad, por lo que Deranged extrae de la historia de Ed Gein tanto como parece sacar del impactante realismo de The Texas Chain Saw Massacre, que se estrenó el mismo año (las dos películas probablemente se extrajeron del mismo grupo colectivo de miedos junguianos inconscientes), se deleita en romper un tabú tras otro. , sin inmutarse por la horripilante retratada en la pantalla. Deranged se vuelve asqueroso, sus momentos finales revelan que, como tantas películas de su tipo, esto solo podría suceder en un universo sin Dios, un universo en el que no hay razón ni propósito para el mal. A lo largo de todo, Blossom ofrece una actuación que revuelve el estómago, su rostro es un cementerio de sombras y recuerdos terribles llevados a niveles de elasticidad similares a los de Jim-Carrey, tan inhumanos como estrictamente corpóreos. En retrospectiva, uno entiende las advertencias de Buzz, por muy manipuladoras que hayan sido: la de Blossom es la cara de un tipo que podría matar a golpes a un transeúnte inocente con una pala de nieve sin pestañear. —Dom Sinacola

40. No soy un asesino en serie Año: 2016 Director: Billy O'Brien

En la superficie, esta joya pasada por alto de 2016 se siente sutilmente familiar para aquellos que tal vez hayan visto series como Dexter: un niño (Max Records) con tendencias sociópatas pronunciadas teme que está "destinado" a convertirse en un asesino en serie y, por lo tanto, vive por un conjunto. de reglas diseñadas para mantener a salvo a quienes lo rodean. Pero la película hace la distinción inusual de que la condición mental y emocional del joven John Wayne Cleaver sea mucho mejor entendida por quienes lo rodean de lo que es típico en las películas de este género: al menos están tratando de ser aliados, ya sea que él pueda verlo o verlo. no. Records es cautivador como protagonista, proyectando una fascinación por el repulsivo funcionamiento interno del cuerpo humano y la condición humana, mientras que Christopher Lloyd, de 78 años, se roba el espectáculo como el vecino de al lado, tambaleante pero peligroso, de John. De bajo presupuesto pero sangrienta y con mucho estilo, I Am Not a Serial Killer es una película cuyo acto final se aparta de la narrativa esperada de maneras que pueden ser impactantes, por decir lo menos, pero a lo largo de todo mantiene una sólida comprensión de su temas fundamentales de la emoción, la familia y la predestinación. —Jim Vorel

39. Maniac Año: 2012 Director: Franck Khalfoun

Maniac es una reinvención bastante impresionante de la película de terror de explotación de 1980 del mismo nombre, un intento de tomar algo de material grindhouse y revestirlo con una piel moderna, a la vez impactante y estimulante. Elijah Wood ofrece una actuación transformadora como el asesino, Frank Zito, aunque casi nunca se ve la cara de Wood, dado que toda la película está filmada desde la perspectiva del asesino, sí, toda la película. Más bien, la audiencia escucha el ruido de fondo de su locura mientras murmura para sí mismo y acecha a sus víctimas femeninas. Tenga cuidado: la violencia de Maniac es difícil de ver incluso para los veteranos experimentados en terror, y la toma constante de POV desde la perspectiva del asesino inmediatamente hace que la audiencia se sienta culpable por su complicidad y enferma por su solidaridad con el asesino. Algunos la llamarán demasiado gratuita en términos de su brutalidad, pero la película es tan segura en sus objetivos artísticos que es difícil aferrarse a la crítica. Con una partitura alternada de sintetizador al estilo Carpenter y música clásica/ópera, Maniac es una película gore de arte y ensayo si alguna vez hubo una. —Jim Vorel

38. CruisingAño: 1980 Director: William Friedkin

Una fuente de alboroto y protesta en su lanzamiento original, Cruising de William Friedkin vio al director sumergirse de nuevo en la subcultura gay, y aunque se mudó de los apartamentos de clase media, empapados de alcohol de The Boys in the Band (1970) a la clandestinidad, barras de cuero manchadas de sudor, poco cambiado en términos de cómo conceptualizaba cómo los hombres homosexuales conceptualizaban sus propios miedos y deseos. Perspectiva externa o no, el vínculo entre su adaptación de la obra Albee-esque de Mart Crowley y el pulposo noir de un thriller de Gerald Walker es el autodesprecio, ambos sobre hombres adultos cuyas identidades dependen de qué tan bien pueden adormecerse a sí mismos. Friedkin's Cruising enmarca esa ansiedad dentro de la historia de un policía, Steve Burns (Al Pacino), que se infiltra en la cultura del cuero de Nueva York para encontrar a un asesino en serie que asesina a hombres en la escena. La conexión de Friedken entre el sexo y la muerte se amplifica debido a su extrañeza. Si el director tiene un ojo desgarbado y errante, parece lógico que Burns de Pacino también esté extasiado, repelido, atraído y cautivado por una manifestación de masculinidad que mezcla deliberadamente lo extraño y lo familiar. Como una amalgama del peligro de la masculinidad tóxica y una meditación profética sobre la crisis del SIDA (el primer informe sobre el SIDA no se publicó en el New York Times hasta el 3 de julio de 1981), Cruising es impresionante como el viaje reacio de un hombre por un conejo gay. (gloria) agujero. —Kyle Turner

37. X Año: 2022 Director: Ti West

X es un regreso notable e inesperado para el director Ti West, una década después de una vida anterior como un aspirante a autor de terror que ha trabajado principalmente como director de televisión mercenario durante los últimos 10 años. Regresar de una manera tan llamativa, a través de una nueva visión A24 de la clásica película slasher, pensada como la primera película de una nueva trilogía o incluso más, es la resurrección más impresionante que hemos visto en el género de terror en la memoria reciente. X es una brillante combinación de lo cómodamente familiar y lo groseramente exótico, reconocible al instante en estructura pero más profundo en tema, riqueza y satisfacción que casi todos sus pares. ¿Cuántos intentos de estilos retro de slasher hemos visto en los últimos cinco años? La respuesta sería "innumerables", pero pocos arañan la superficie de la tensión, el suspenso o incluso el patetismo que X mete en cualquiera de una docena o más de escenas. Es una película que inesperadamente nos hace anhelar junto a sus personajes, nos expone (gráficamente) a sus vulnerabilidades e incluso establece "villanos" profundamente simpatizantes por razones que se vuelven cada vez más claras cuando nos damos cuenta de que este es solo el primer capítulo de una historia más amplia de películas de terror que ofrecen un comentario irónico sobre cómo el cine moldea la sociedad. Con una cinematografía fascinante, un excelente diseño de sonido y personajes más profundos que los amplios arquetipos que inicialmente registran para una audiencia acostumbrada al terror, X ofrece una meditación moderna sobre el salvajismo sangriento de Mario Bava o Lucio Fulci, haciendo que los viejos éxitos se sientan frescos, oportunos y asquerosos una vez. de nuevo. En 2022, esta película es todo un regalo para el concepto de cine slasher. —Jim Vorel

36. The Cell Año: 2000 Director: Tarsem Singh

La carrera del director Tarsem Singh nunca ha logrado estar a la altura de la promesa vista por primera vez en The Cell de 2000. En este giro futurista y fantasioso de El silencio de los inocentes, una psicóloga (Jennifer Lopez, cuando era actriz antes que nada) desciende a la mente retorcida de un asesino en serie (un Vincent D'Onofrio irreconocible) a través de una pieza experimental de tecnología que permite insertar la conciencia de una persona en el subconsciente de otra. Presagiando a los gustos de Inception, The Cell es sorprendentemente imaginativo a veces, una fiesta visual que recuerda las fijaciones de Clive Barker sobre la grandiosidad y el sadomasoquismo, mientras López se enfrenta a la proyección mental del asesino, que se viste y se comporta como un dios-rey omnipotente en un retorcido mundo de ensueño como algo salido de HP Lovecraft. Sin pulir y autocomplaciente a veces, uno todavía tiene que admirar su pura descaro. Si alguna de estas películas fuera a ser rehecha como un episodio de Black Mirror en 2018, probablemente sería esta. —Jim Vorel

35. Tenebrae Año: 1982 Director: Dario Argento

Si escribiera un libro de terror ultravioleta, y si su libro de terror ultraviolento inspirara a un psicópata cotidiano a emprender su propia ola de asesinatos ultraviolentos, ¿se desanimaría o lo tomaría como un cumplido? Tal vez esa no sea la pregunta que hace Dario Argento en su notoria película de giallo Tenebrae de 1982, pero la trama recuerda cierto viejo proverbio sobre la imitación y la adulación: el autor estadounidense Peter Neal (Anthony Franciosa) se dirige a Italia para promocionar su nuevo libro, y descubre que hay un asesino en serie suelto, envalentonado por la bibliografía de Neal y asesinando romanos en su nombre. Eso debe sentirse bastante bien para Neal, aunque no tanto para las víctimas del asesino. Al tipo no le gusta exactamente la eficiencia; él prefiere hacer sufrir a su presa, lo que no debería ser una sorpresa dada la fuente de Tenebrae. (A Argento tampoco le gusta la eficiencia. Matará a la gente con reservas aleatorias de alambre de púas si le apetece).

Tenebrae, más que otras películas de Argento, es difícil de ver; es un asunto especialmente sangriento, pero su mérito artístico exige que lo consideremos cine esencial. La película escenifica géiseres arteriales para empaparse de carmesí con la misma frecuencia con la que admite las retorcidas indulgencias de Argento como cineasta. Él abre la película con una narración sobre cómo encontrar la libertad al quitar la vida, por el amor de Cristo. Te diste cuenta. No es que Argento apruebe el asesinato o algo tan loco como eso; es más que está dispuesto a confesar su obsesión desesperada por representar un asesinato en la pantalla. Cuando posees un don tan grande para ese tipo de cosas como Argento, ¿qué persona razonable puede culparte? —Andy Crump

34. Frenzy Año: 1972 Director: Alfred Hitchcock

La penúltima (y posiblemente la última gran) película de Hitchcock es también la más espeluznante. A medida que los censores de películas se relajaron un poco más en la década de 1970, a Hitchcock se le permitió mostrar más violencia e incluso algo de desnudez. Todavía es dócil para los estándares actuales, pero la historia de un asesino en serie londinense que viola y estrangula a sus víctimas femeninas con una corbata es el maestro del suspenso en su forma más gráfica, al tiempo que conserva la trama típicamente retorcida y tortuosa que cabría esperar. —Bonnie Stiernberg

33. Black Christmas Año: 1974 Director: Bob Clark

Dato curioso: nueve años antes de que dirigiera el clásico navideño A Christmas Story, Bob Clark creó la primera "película slasher" verdadera e inexpugnable en Black Christmas. Sí, la misma persona que le dio a TBS su maratón anual de Nochebuena también fue responsable de la primera gran aplicación cinematográfica de la frase "¡Las llamadas vienen desde el interior de la casa!" Black Christmas, que fue insípidamente rehecho en 2006, es anterior a Halloween de John Carpenter por cuatro años y presenta muchos de los mismos elementos, especialmente visualmente. Al igual que Halloween, persiste mucho en las tomas POV de los ojos del asesino mientras merodea por una casa de hermandad poco iluminada y espía a sus futuras víctimas. Mientras el asesino mentalmente trastornado llama a la casa y se involucra en llamadas telefónicas obscenas con las residentes femeninas, uno no puede evitar recordar la escena en la película de Carpenter donde Laurie (Jamie Lee Curtis) llama a su amiga Lynda, solo para escucharla. estrangulado con el cable del teléfono. Black Christmas también es instrumental, y prácticamente arquetípico, en la solidificación del tropo slasher de la llamada "chica final". Jessica Bradford (Olivia Hussey) es en realidad una de las chicas finales mejor realizadas en la historia del género, una mujer joven notablemente fuerte e ingeniosa que puede cuidar de sí misma tanto en sus relaciones como en escenarios mortales. Es cuestionable cuántos slashers posteriores han podido crear protagonistas que son una combinación tan creíble de capacidad y realismo. —Jim Vorel

32. Perfume: La historia de un asesino Año: 2006 Director: Tom Tykwer

Un huérfano con un sentido del olfato sobrehumano hace el sorprendente descubrimiento de que no tiene olor propio, y su búsqueda del perfume definitivo da un giro muy oscuro. Adaptada de la novela Perfume de Patrick Susskind y ambientada en la Francia del siglo XVIII, Perfume: The Story of a Murderer está protagonizada por Ben Whishaw como Jean-Baptiste Grenouille, un desafortunado pilluelo que es vendido a un curtidor pero encuentra su camino para convertirse en aprendiz de perfumista. El perfumista (Dustin Hoffman) finalmente lo envía a los maestros perfumistas de Grasse, Francia, para que aprenda el enfleurage, el arte de extraer esencias cubriéndolas con grasa. Sin embargo, Jean-Baptiste no está interesado en el jazmín y la lavanda. Quiere destilar y reproducir la esencia de las personas, particularmente de las vírgenes bellas. Así que, naturalmente, emprende un alboroto de asesinatos para capturar algunos olores personales. En última instancia, lo atrapan y lo asignan a una ejecución muy espeluznante, pero guarda el perfume que ha inventado de las mujeres que ha matado y se cubre con él, lo que hace que todos declaren que es inocente, y posiblemente un ángel, provocando un frenesí en el que el la gente del pueblo lo devora.

Dirigida por Tom Tykwer, la película recibió respuestas mixtas de los críticos, con el consenso general de que su excelente cinematografía se vio socavada por un guión menos que estelar. (Incluso Alan Rickman, como el rico Antoine Richis, padre de la víctima final, no podía sonar 100% convincente a veces). Los fans de la novela pueden encontrar molestas las desviaciones de la película, y es profundamente desafiante evocar con éxito la sensación de olor en la película. Sin embargo, cualquier conocedor de películas de asesinos en serie debería tener esta en su haber, aunque solo sea por el alto concepto inusual y ligeramente mágico. Debajo de la escritura desigual hay un cuestionamiento filosófico bastante profundo de la naturaleza de la "esencia" humana, o alma, y ​​cómo sería estar sin una. —Amy Glynn

31. Manhunter Año: 1986 Director: Michael Mann

Recibido en ese momento con críticas mixtas, su encanto hiperestetizado sorprendentemente demasiado para los gustos de la audiencia a mediados de los 80, Manhunter más de 30 años después representa (quizás irónicamente) cómo se sintieron los mediados de los 80 para aquellos que no puedo recordarlo muy concretamente. En otras palabras, es una película despegada en el tiempo, producto de una década pasada pero tan surrealista y cargada de simbolismo y magníficamente cuidada que parece esconder generaciones de terror en su interior. La primera de muchas adaptaciones de las novelas de Thomas Harris, Manhunter elaboró ​​el modelo y estableció las apuestas muy serias para cada iteración a seguir, amarrando imágenes de ensueño a un cuidadoso procedimiento policial, intentando representar la desgarradora experiencia emocional de ser un perfilador del FBI. sin escatimar en el melodrama.

Mientras tanto, Mann dibuja grandes líneas abstrusas alrededor del asesino en serie en el centro de la película, un hombre lacónico, Francis Dollarhyde (Tom Noonan), el llamado "Hada de los dientes", que habita cada escena con el presentimiento promete que es una persona cuya realidad es un frágil engaño. Brian Cox acecha en los márgenes de la película, el primer actor en habitar Hannibal Lecktor (por alguna razón, escrito así por primera vez), la manifestación de la identificación del agente Will Graham (William Peterson), un contraste con el "buen chico" y un psicópata. cuya falta de empatía hace que el sentido intuitivo de encuadre de Mann sea más severo. Instigado por la voluntad del director de fotografía Dante Spinotti de tratar el color como si estuviera encendiendo un giallo tanto como un thriller criminal de Miami Vice-mind, en Manhunter Mann encontró un equilibrio temprano en su carrera entre las minucias arenosas del trabajo policial de investigación y la violencia cerebral y abstracta de las investigaciones. ellos mismos. Dollarhyde solo quiere ser buscado, por lo que mata para ser realmente "visto" por sus víctimas, lo que luego, en su mente, lo transforma en algo poderoso. Manhunter actúa de la misma manera, volviéndose más fuerte cuanto más lo miras. —Dom Sinacola

30. Deep RedAño: 1975 Director: Dario Argento

Las películas de Dario Argento serían fáciles de elegir entre una alineación policial, porque cuando sumas todas sus pequeñas peculiaridades, forman un estilo icónico al instante. Deep Red es una de esas películas que simplemente no podría haber hecho nadie más: Mario Bava podría haberlo intentado, pero la suya no tendría la banda sonora por excelencia de los colaboradores de Argento, Goblin, ni el trabajo de cámara excéntrico y a la deriva que constantemente nos hace cuestionar ya sea que estemos mirando a través del punto de vista del asesino o no. Y la historia es una clásica novela policíaca de giallo: tras la brutal división de una psíquica alemana (Macha Méril), un profesor de música (David Hemmings) que vive en su edificio comienza a juntar las piezas para resolver el misterio del asesinato, descubriendo una trágica historia familiar. . En el camino, cualquiera que se acerque a la respuesta recibe un cuchillo de carnicero en la cabeza de un asaltante misterioso con guantes de cuero negro, excepto aquellos que mueren de maneras mucho peores y espantosas. Argento tiene buen ojo para lo que es físicamente desconcertante de ver: de alguna manera toma escenas que son "estándar" para el género de terror y las hace mucho más incómodas de lo que uno pensaría simplemente leyendo una descripción de la secuencia. En las manos de Argento, un cuchillo cortante se convierte en un pincel. —Jim Vorel

29. Creep Año: 2014 Director: Patrick Brice

Creep es una película de terror independiente algo predecible pero alegremente demente, el debut como director de Patrick Brice, quien también estrenó The Overnight en 2015. Protagonizada por el siempre prolífico Mark Duplass, es un estudio de personajes de dos hombres: un videógrafo ingenuo (interpretado por Brice) y un recluso psicótico no tan secreto (Duplass), el último contratando al primero para que documente su vida en una cabaña en los bosques El metraje encontrado a dos manos se apoya completamente en sus actuaciones, que son excelentes, los primeros intercambios entre la pareja crepitan con una especie de intensidad incómoda. Duplass, que puede ser encantador y chiflado en algo como Seguridad no garantizada, brilla aquí como el lunático trastornado que se mete a la fuerza en la vida del protagonista y lo persigue en cada momento de su vigilia. Cualquier experto en géneros sin duda verá a dónde va, pero sigue siendo un viaje bien elaborado que tiene éxito gracias a la química entre sus dos protagonistas principales de una manera que me recuerda las escenas entre Domhnall Gleeson y Oscar Isaac en Ex Maquina. —Jim Vorel

28. Sangre y encaje negro Año: 1964 Director: Mario Bava

Puedes dar crédito a películas como Psycho o Peeping Tom por sentar las bases para el género slasher, y Black Christmas de 1974 por reunir todos los elementos en lo que es innegablemente una "película slasher", pero el giallo fundacional de 1964 de Mario Bava está tan cerca como casi merecer ese título como el primer slasher "verdadero" en casi todos los sentidos que importan. Blood and Black Lace es una película absolutamente hermosa y suntuosa que es mucho mejor para ver en la pantalla grande, si puedes, con toques dramáticos de colores primarios utilizados para lograr el máximo impacto. La historia es una mezcla de misterio de asesinato oscuramente cómico y explotación teñida de excitación, con una manada de modelos femeninas acosadas por un asaltante misterioso cuyo rostro está cubierto con una máscara impenetrable de medias con rasgos inexpresivos: un asesino que busca a todos los efectos como el personaje de DC Comics La Pregunta. Es una imagen inmediatamente icónica que marcó su huella en todo un género italiano, y los asesinos posteriores reflejarían muchas de las características del asesino de esta película, desde los guantes negros y el abrigo largo hasta la máscara misma. Aunque muchos intentaron imitar sus efectos visuales, muy pocos pudieron igualar la decadencia y la sensación de exceso lujoso (y mortal) que Bava captura en Blood and Black Lace. —Jim Vorel

27. El elemento del crimen Año: 1984 Director: Lars Von Trier

Mientras Lars von Trier se formaba en la principal escuela de cine de Copenhague, su pequeña mente retorcida hizo su auspicioso debut con El elemento del crimen en 1984. Incluso antes de Dogma 95, en el que hizo un montón de reglas solo para romperlas con tristeza, las preocupaciones de von Trier eran sobre lo subversivo desde el principio. Esta exploración neo-noir sobre la culpa y la obsesión sentó las bases para películas como Europa, con su engañoso tono sonámbulo, e incluso películas tan avanzadas como Nymphomaniac, en la que volvió a poner a prueba los límites del deseo y la destrucción entre hombres y mujeres. En El elemento del crimen, su visión postapocalíptica de Europa (parte de su trilogía "Desintegración de Europa"), Fisher (Michael Elphick), ex policía y actual detective expatriado, recuerda su último caso, relacionado con un asesino en serie. que estrangulaba, violaba y mutilaba a niñas. Tan influenciado por Blade Runner como por Kafka, von Trier teje una historia clásica de aniquilación espiritual a modo de imitación: Fisher usa un libro llamado El elemento del crimen para identificarse con el asesino y, por lo tanto, comienza a verse fusionado con el asesino. culpable esquivo. Von Trier estaba empujando botones desde el principio, su paleta pintada con orina y chillona, ​​y sus obsesiones provocativas. Con su primer largometraje, el director danés se estableció a sabiendas como un incomparable enfant terrible. —Kyle Turner

26. The Bad Seed Año: 1956 Director: Mervyn LeRoy

The Bad Seed es uno de los retratos estadounidenses más inquietantes de la psicopatía o sociopatía pura, proveniente de la menos sospechosa de todas las fuentes: una niña de 8 años. Los ojos penetrantes de la pequeña rubia Rhoda (Patty McCormack) con coleta son aterradores de contemplar, más aún una vez que comenzamos a sospechar lo que se esconde detrás de su fachada. La capacidad de Rhoda para funcionar y ocultar su verdadero yo con astucia astuta predice la talla de Patrick Bateman o Henry en Henry: Retrato de un asesino en serie, pero la aparente facilidad con la que lo hace es especialmente inquietante. No podría haber We Need to Talk About Kevin sin The Bad Seed allí para hacer la pregunta: ¿Cuál es la naturaleza del mal innato? La mirada amenazadora y pura e inquebrantable de la crueldad humana en The Bad Seed es verdaderamente única para su período de tiempo, con la actuación del joven McCormack clasificada entre las mejores de todos los tiempos para niños en una película de terror. The Bad Seed trata sobre los horrores de la responsabilidad como padre, cuando hay algo que sabes que debes hacer pero el acto de llevarlo a cabo es algo que el mundo nunca podrá entender. Es una película que puede alejarte de las coletas de por vida. —Jim Vorel

25. Hombre muerde a perro Año: 1992 Directores: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde

Un antepasado innegable de Behind the Mask: The Rise of Leslie Vernon, Man Bites Dog ganó el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cine de Cannes de 1992, solo para recibir una calificación NC-17 en su estreno en los Estados Unidos, prohibido en Suecia por completo. Uno puede entender la aprensión: Man Bites Dog retrata sin pestañear asesinatos en serie en su banalidad gráfica, víctimas que van desde niños y ancianos hasta una mujer violada en grupo cuyo cadáver es fotografiado más tarde con sus entrañas desparramadas por toda la mesa en la que fue violada. los perpetradores yacen en estado de ebriedad después de la juerga, amontonados en el suelo. Filmado como un falso documental, Man Bites Dog hace todo lo posible para retratar las exigencias del asesinato de la manera más básica posible, incorporando la renuencia del equipo de filmación de tales horrores para ofrecer a la audiencia un reflejo de las formas en que probablemente estaban reaccionando. El dolor fascinado expresado por el director del documental (Rémy Belvaux) al darse cuenta de lo que realmente significa hacer un documental sobre un asesino en serie, volverse cada vez más cómplice de los asesinatos a medida que avanza la película, señala explícitamente nuestra disposición como espectadores a estómago los horrores mostrados. Aún así, reaccionamos visceralmente mientras la película explora temas conceptuales del crimen real como producto de la cultura pop y la televisión de realidad como una mitigación perjudicial de la verdad, acusando en última instancia a los espectadores de disfrutar esta película y al mismo tiempo atenderlos. Benoit (Benoît Poelvoorde), el tema de la película falsa, es, por supuesto, un paria social increíblemente inteligente acosado por la xenofobia y la misoginia, que ofrece innumerables neurosis para explorar detrás de su psicopatía y asesinato en serie, que trata como un trabajo legítimo. Pero Man Bites Dog se trata más de las formas en que consumimos una película como Man Bites Dog, preocupados menos por la matanza flagrante que comete para reír que por las risas mismas, lo que implica que la verdadera culpa de tan conocido horror recae en nuestros pies, en el que cada día damos grandes pasos básicos para normalizar la violencia y el odio que nos rodea constantemente. —Dom Sinacola

24. American Psycho Año: 2000 Director: Mary Harron

Hay algo mal con Patrick Bateman (Christian Bale), realmente mal. Aunque se retuerce dentro de un acertijo de qué es un sueño al estilo de Christopher Nolan, Bateman es simplemente malvado, expresando descaradamente cuán loco está, desafortunadamente para oídos indiferentes o que no comprenden, porque el mundo en el que vive es tan mal, si no más. Además, el banquero adicto a las drogas tiende a ser creativo con sus armas letales. (Pistola de clavos, ¿alguien?) Como si alguien necesitara otra razón para odiar a los ricos de cuello blanco de Manhattan: la adaptación de Mar Harron de Bret Easton Ellis es un retrato brillante de la falta de alma corporativa y la opulencia desdeñosa. —Darren Orf

23. Fragilidad Año: 2001 Director: Bill Paxton

La fragilidad da miedo de la misma manera que Take Shelter de Jeff Nichols es tan inquietante: ambos tratan de padres que se vuelven poseídos por la idea de que tienen una misión en la vida, un mandamiento secreto de lo alto que puede o no ser debido a la lenta aparición de la enfermedad mental. El difunto Bill Paxton escribió y protagonizó este apasionante proyecto, otorgándose uno de los mejores papeles de su carrera como ese padre que se desintegra que ha llegado a creer que vive en un mundo rodeado de "demonios" que Dios le ordenó erradicar. Desde el punto de vista de sus jóvenes hijos protagonistas, están atrapados en una situación que es a la vez desesperada y aterradora, entre su padre, una personalidad extraña e incognoscible que les ordena que lo ayuden a cometer atrocidades, y el hecho de que revelar su aparente locura para el mundo probablemente significará perderlo para siempre. A Matthew McConaughey se le ofrece un papel inesperadamente jugoso y poco anunciado como uno de los hermanos adultos que ha llegado a un acuerdo con su desagradable infancia, pero Paxton realmente se roba el espectáculo con el tipo de energía nerviosa que hace que sea imposible saber qué es lo que está haciendo. haré a continuación. Además: prepárate para un final estrafalario. —Jim Vorel

22. Ojos sin rostro Año: 1960 Director: Georges Franju

Recuerdo haber visto mi primera actuación de Édith Scob en 2012, cuando Holy Motors de Leos Carax llegó a las costas de EE. UU. y me derritió el cerebro. También recuerdo a Scob poniéndose una máscara de espuma de mar, tan inexpresiva y carente de expresión como la de Michael Myers, al final de la película, y pensando para mis adentros: "Vaya, eso sería como un pandillero en una película de terror".

Qué idiota fui: en el momento de ver Holy Motors, Scob ya había aparecido en esa película de terror, Ojos sin rostro de Georges Franju, una película gélida, poética y, sin embargo, hecha con amor sobre una mujer y su científico loco/asesino en serie. papá que solo quiere secuestrar a jóvenes que comparten sus rasgos faciales con la esperanza de injertar su piel en su propia taza desfigurada. (Ese es el material del padre del año allí mismo). Por supuesto, nada va bien en la narrativa de la película, y todo termina en lágrimas más un frenesí de sed de sangre canina. Eyes Without a Face se juega en el registro correcto de desconcertante, perverso e íntimo como tienden a ser los cuentos de terror pulposos más duraderos. Si Franju llega a reclamar la mayor parte del crédito por eso, al menos guarda una parte para Scob, cuyos ojos son el mejor efecto especial en el repertorio de la película. La suya es una actuación que nace directamente del alma. —Andy Crump

21. Henry: Retrato de un asesino en serie Año: 1986 Director: John McNaughton

Henry está protagonizada por el mismo Merle, Michael Rooker, en una película que esencialmente pretende aproximarse a la vida del asesino en serie Henry Lee Lucas, junto con su compañero demente Otis Toole (Tom Towles). La película fue rodada y ambientada en Chicago con un presupuesto de sólo 100.000 dólares, y es un viaje depravado a las profundidades de la oscuridad capaz de infectar el alma humana. Probablemente suene como una hipérbole, pero Henry es realmente una película fea: te sientes sucio con solo mirarla, desde las calles urbanas llenas de suciedad hasta los personajes sumamente desagradables que se aprovechan de las prostitutas locales. No es un reloj fácil, pero si lo tuyo son los crímenes reales, es una visita obligada. Algunas de las secuencias, como el "video casero" filmado por Henry y Otis mientras torturan a toda una familia, le dieron a la película una reputación notoria, incluso entre los fanáticos del terror, como una mirada implacable a la naturaleza del mal inquietantemente mundano. —Jim Vorel

20. Scream Año: 1996 Director: Wes Craven

Antes de que Scary Movie o A Haunted House fueran ideas mal concebidas, Wes Craven estaba creando algunas de las mejores sátiras de terror. Aunque parte del encanto de Scream eran sus golpes justos y astutos en el género, eso no impidió que el director soñara con algunas de las escenas más brutales de cuchillos contra humanos en los años 90. Con el nacimiento del asesino de "Ghost Face", Craven llevó al público a un viaje a través del fandom de las películas de terror, haciendo de los trucos demasiado comunes del oficio un elemento básico para la supervivencia: el sexo es igual a la muerte, no bebas ni consumas drogas, Nunca digas "Vuelvo enseguida". Con un elenco cruzado de Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Matthew Lillard, Rose McGowan y Drew Barrymore (está bien, ella solo está en la apertura, pero aún así), Scream llegó con una versión incisiva de un lote cansado de películas. No fue el primero de su tipo, pero fue el primero en ser aceptado por una gran audiencia, lo que contribuyó en gran medida a aumentar el coeficiente intelectual de género del floreciente fanático del terror. —Tyler Kane

19. Vi al diablo Año: 2010 Director: Kim Jee-woon

I Saw the Devil es una obra maestra surcoreana de brutalidad del director Kim Ji-woon, quien también estuvo detrás de la película de terror más grande de Corea del Sur, A Tale of Two Sisters. Es una película realmente impactante, que sigue a un hombre que busca venganza a toda costa después del asesinato de su esposa por un psicópata. Seguimos como el "protagonista" de la película se divierte cazando a dicho psicópata, incrustando un rastreador en el asesino que le permite aparecer repetidamente, golpearlo hasta dejarlo inconsciente y luego liberarlo nuevamente para torturarlo más. Es una película sobre la naturaleza de la venganza y la obsesión, y si realmente vale la pena pagar un terrible error. Si todavía estás indeciso, debes saber que Choi Min-sik, la estrella de Oldboy original de Park Chan-Wook, interpreta al asesino en serie que está siendo perseguido y se convierte en otra actuación estelar. Esta no es una "película de terror" tradicional, pero se encuentra entre las más horribles de la lista tanto en imágenes como en impacto emocional. —Jim Vorel

18. Memories of MurderAño: 2003 Director: Bong Joon-Ho

Basado en el caso del primer asesino en serie de Corea del Sur, esta es la versión de Bong Joon-Ho del drama policial. La tensión surge del choque de estilos entre un detective del campo (Song Kang-Ho) y su homólogo urbano (Kim Sang-Kyung) enviado para acelerar la investigación, que se descarrila constantemente en medio de oportunidades desperdiciadas y arrestos injustos. Uno usa sus puños, el otro la medicina forense, y ambos sirven como arquetipos culturales cuyas acciones se desarrollan en el contexto de la dictadura militar de mediados de la década de 1980. Por extraño que parezca, Murder tampoco está exento de risas, que son a la vez groseras y penetrantes. —Steve dólar

17. La fuga Año: 1988 Director: George Sluizer

¿Alguna vez se preguntó qué es lo que hace temblar a una mente maestra como Stanley Kubrick? La respuesta es The Vanishing, que aparentemente fue la película más "aterradora" que jamás había visto (y esto, viniendo del tipo que hizo The Shining). De hecho, lo que hace que este thriller sea tan desconcertante es que se cuenta todo al revés: en lugar de pasar dos horas tratando de averiguar la identidad del malo, nos lo presentan de inmediato. Basada en el libro de Tim Krabbé The Golden Egg (Het Gouden Ei), la película cuenta la historia de Raymond (Bernard-Pierre Donnadieu), un sociópata autodiagnosticado que intenta superar la prueba definitiva. Después de haber salvado a una niña de ahogarse y de que sus hijas lo celebraron como un héroe, quiere saber si su acto de bondad puede ser seguido por un acto de maldad igualmente impresionante. Como la película le permite a Raymond, con el tiempo, investigar la línea entre la sociopatía y la psicopatía, pasa horas planeando meticulosamente la mejor manera de secuestrar a una mujer, en lugar de rescatarla. Experimenta con cloroformo, compra una casa aislada y practica diferentes formas de conseguir que mujeres desconocidas se suban a su coche. Más tarde, Sluizer rehizo su propia película para el público estadounidense, con Jeff Bridges y Kiefer Sutherland, pero su final cambió drásticamente. —Roxanne Santo

16. Ópera Año: 1987 Director: Dario Argento

Giallo no es el tipo de género en el que los directores terminan recibiendo mucho aplomo de la crítica... con la excepción ocasional de Dario Argento. Él es el precursor italiano sangriento de las películas slasher como, digamos, alguien como Clive Barker lo es para los horrores en inglés: un autor dispuesto a correr riesgos, cuyas obras llamativas son ocasionalmente brillantes pero con la misma frecuencia fracasan. Sin embargo, Opera es una de las películas más puramente observables de Argento, sobre una joven actriz que parece haber desarrollado un admirador bastante homicida, porque cualquiera que se interponga en el camino de su carrera tiene una forma divertida de terminar muerto. Mientras tanto, sus constantes pesadillas insinúan una conexión enterrada desde hace mucho tiempo con el asesino. Esencialmente el equivalente giallo del Fantasma de la Ópera, el lienzo de Opera está salpicado por la paleta de colores característica de Argento de tonos brillantes y espeluznantes y muertes exageradas, entrelazadas con un subtexto interesante sobre la naturaleza de ver películas de terror, ya que la heroína a menudo se ve obligada a por el asesino para presenciar el desarrollo de los crímenes. Como incluso lo peor de Argento, Opera es un estudio de clase magistral en la artesanía. —Jim Vorel

15. Halloween Año: 1978 Director: John Carpenter

Para los estudiantes de la filmografía de John Carpenter, es interesante notar que Halloween es en realidad una película significativamente menos ambiciosa que su anterior Assault on Precinct 13 en casi todos los niveles medibles. No tiene el considerable elenco de extras, o el extenso trabajo de efectos especiales y acrobacias. No está lleno de secuencias de acción. Pero lo que nos da es la primera destilación completa de la película slasher estadounidense y una gran cantidad de atmósfera. Carpenter se basó en proto-slashers anteriores como Black Christmas de Bob Clark al escribir la leyenda de Michael Myers, un fantasma imparable que regresa a su ciudad natal en la noche de Halloween para acechar a las chicas de la escuela secundaria (el título original en realidad era The Babysitter Murders, si lo has hecho). no he escuchado esa trivia en particular antes). Carpenter emplea en gran medida herramientas que se convertirían en sinónimo de slashers, como la perspectiva POV del asesino, convirtiendo a Myers en una especie de voyeur (en los créditos se le llama simplemente "La Forma") que acecha en silencio en la oscuridad con una paciencia inhumana antes de finalmente hacer su mover. Es una película delgada y mezquina con una caracterización absurda en su primera mitad (particularmente del tonto PJ Soles, que no puede dejar de decir "totalmente") que luego se transforma en un crescendo claustrofóbico de tensión cuando aparece por primera vez Laurie Strode de Jamie Lee Curtis. en contacto con Myers. Absolutamente indispensable para todo el asunto es el gran Donald Pleasance como el Dr. Loomis, el fanático personal del asesino/Ahab, cuyo único propósito en el guión es comunicar a la audiencia con una hipérbole espumosa qué monstruo es realmente este Michael Myers. No se puede exagerar lo importante que es Pleasance para convertir esta película en la piedra de toque cultural que inspiraría el auge del slasher de principios de los 80. —Jim Vorel

14. Arsenicum and Old LaceAño: 1944 Director: Frank Capra

La adaptación de Frank Capra de esta obra de Broadway de comedia oscura (algunos del elenco de Broadway repitieron sus papeles en la película) está protagonizada por Cary Grant como Mortimer Brewster, uno de una familia de Mayflower bluestocking tipo WASP que, a lo largo de las generaciones, se ha convertido, creo, en el frase es "criminalmente demente"? Brewster, autor de muchos tomos sobre la estupidez del matrimonio, se casa. En la víspera de la luna de miel, pasa por la casa de su familia para hablar con sus tías locas y dulcemente homicidas (Josephine Hull y Jean Adair), un hermano encantadoramente delirante (John Alexander) que cree que es Theodore Roosevelt, y otro hermano, Jonathan. (Raymond Massey), que tiene cuerpos para enterrar y un cirujano plástico alcohólico completamente loco a cuestas. Peter Lorre interpreta al cirujano, que ha alterado la cara de Jonathan para que se parezca a Boris Karloff (naturalmente). Y eso es solo la configuración. Más de siete décadas después de su estreno, esta película sigue siendo divertida, a pesar de que es mansa y un poco tonta para los estándares contemporáneos. La resistencia de esta película es un testimonio tanto del maravilloso guión como de la magia de Frank Capra con un grupo de talentosos actores cómicos a su disposición (y no en el sentido de "cuerpos en el sótano"). —Amy Glynn

13. Detrás de la máscara: El ascenso de Leslie Vernon Año: 2006 Director: Scott Glosserman

En los años posteriores a Scream, no faltaron películas que intentaron deconstrucciones similares del género de terror, pero pocas merecen ser mencionadas al mismo tiempo que la criminalmente oculta Detrás de la máscara. Ambientada en un mundo donde existieron asesinos sobrenaturales como Jason Voorhees y Freddy Krueger, este falso documental sigue a un tipo llamado Leslie Vernon (Nathan Baesel), que sueña con ser el "próximo gran psicópata asesino". Al hacerlo, proporciona respuestas e información sobre docenas de tropos y clichés de películas de terror, como: ¿Cómo entrena el asesino? ¿Cómo elige a sus víctimas? ¿Cómo puede estar aparentemente en dos lugares a la vez? Es una brillante y retorcida carta de amor al género que también desarrolla un inesperado cambio de estilo justo cuando crees que sabes hacia dónde se dirigen las cosas. Y, a pesar de la falta de poder estelar, Behind the Mask cuenta con toneladas de cameos de luminarias de terror: Robert Englund, Kane Hodder, Zelda Rubinstein e incluso Scott Wilson de The Walking Dead. Todos, y me refiero a todos, los fanáticos del terror necesitan ver Behind the Mask. Es criminal que Glosserman nunca haya logrado armar un seguimiento adecuado de la secuela, pero una serie de cómics financiada por fanáticos recaudó el doble de su objetivo en IndieGoGo, por lo que tal vez aún sea posible. —Jim Vorel

12. The Honeymoon Killers Año: 1969 Director: Leonard Kastle

En una película que actuó como un antecedente espiritual de la sensibilidad de John Waters, Badlands de Terrence Malick y las películas de explotación de los años 70, Leonard Kastle ofrece grandeza con The Honeymoon Killers. Filmado con absoluto cuidado, en un estilo verite, sin miedo a mostrar detalles espantosos, y una maravillosa atención al detalle en medio de fotogramas largos y persistentes, esto marca la única incursión en la dirección de Kastle, un artista que sabe que se puede tener el mayor poder en lo que el no muestra El sentido de la iluminación de Kastle es uno de los puntos fuertes de la película, por no hablar de las grandes actuaciones de Shirley Stoler y Tony Lo Bianco, que interpretan a la pareja real formada por Martha Beck y Ray Fernandez, cuya historia se desvela cada vez más a través de cada acto pasajero de grotesco y horror, sus disputas a lo largo de uno de los aspectos más destacados de este clásico de choque de bajo presupuesto. —Nelson Maddaloni

11. Monster Año: 2004 Director: Patty Jenkins

La transformación de Charlize Theron en la notoria asesina en serie Aileen Wuornos en el desgarrador drama de Patty Jenkins va más allá de que ella se vuelva francamente irreconocible en el papel. (Roger Ebert no sabía que era ella en el papel cuando vio por primera vez a Monster). Todo lo que sabíamos previamente sobre la personalidad y el comportamiento de Theron como estrella de cine, lo elimina por completo para encarnar esta figura extremadamente preocupante, pero inherentemente trágica. Theron está completamente sumergida en su personaje. Cada mirada, cada gesto con la mano y cada tic físico parecen ser los de Wuornos. No hay un solo momento en la película en el que la actriz se asome por detrás de esos ojos. Charlize Theron capturó algo esencial y mágico (aunque muy inquietante): Oktay Ege Kozak y Tim Regan-Porter

10. El Gabinete del Dr. Caligari Año: 1920 Director: Robert Wiene

La obra por excelencia del expresionismo alemán, El gabinete del Dr. Caligari, fue descrita por Roger Ebert como la "primera película de terror real", aunque es comprensible que una visualización moderna no provoque escalofríos. Aún así, en la misma línea que Nosferatu, la fantástica paleta visual de Robert Wiene y Willy Hameister es instantáneamente icónica: los edificios se inclinan en ángulos imposibles y la luz juega trucos extraños: ¿son reales esas sombras o están pintadas directamente en el set? La historia gira en torno a un hipnotizador loco (Werner Krauss) que usa a un sonámbulo con problemas (Conrad Veidt) como su asesino personal, obligándolo a exterminar enemigos por la noche. Los diseños asombrosamente creativos y de pensamiento libre de la película han tenido una influencia indeleble en todos los paisajes de fantasía representados en los casi 100 años transcurridos desde entonces. Simplemente no puedes afirmar que aprecias las raíces del cine sin ver la película. —Jim Vorel

9. Se7en Director: David Fincher Año: 1995

Es difícil pensar en una película que haya causado más daño a corto plazo a la longitud de las uñas en los años 90 que Se7en de David Fincher. Manteniéndose cerca de los detectives David Mills (Brad Pitt) y el casi retirado William Somerset (Morgan Freeman) tras la pista de John Doe, un asesino que planea sus asesinatos en torno a los siete pecados capitales, la película nos permite ver a Somerset enseñar un todavía- ingenua Mills valiosas lecciones de vida en torno al caso, que tiene resultados moralmente cargados dirigidos a víctimas que incluyen un hombre glotón y un abogado codicioso. A pesar de todas las inquietantes escenas del crimen consideradas, Se7en nunca es tan impredecible o emocionalmente agotador como en su infame final, en el que Mills y Somerset descubren "lo que hay en la caja" después de capturar a su hombre. —Tyler Kane

8. La masacre de Texas Chain Saw Año: 1974 Director: Tobe Hooper

Una de las películas de terror convencionales más brutales que se haya estrenado, The Texas Chain Saw Massacre, basada en el notorio asesino en serie de Wisconsin Ed Gein, se asemeja a una verité de arte y ensayo construida sobre la granularidad física de su escenario llano de Texas. Además, presentó al superlativamente siniestro Leatherface, el gigante icónico que empuña una motosierra de un hombre que usa una máscara hecha de piel humana, cuyo extraño sadismo es eclipsado solo por la presentación de su familia caníbal con la que reside en una casa en ruinas en el medio del desierto de Texas, comiendo juntos la carne que Leatherface y sus hermanos cosechan, mientras el abuelo bebe sangre y fabrica muebles con los huesos de las víctimas. Aún así, The Texas Chain Saw Massacre podría no ser la película de terror más sangrienta jamás realizada, pero como una excavación imaginaria de las ansiedades subterráneas de una población rural estadounidense posterior a Vietnam, es prácticamente incomparable. Retorcido, oscuro y hermoso a la vez, se desliza a través de una amplia variedad de tonos y técnicas sin perder nunca su singular intensidad. (Y hay pocas escenas en esta era de horror con un diseño de sonido más inquietante que la parte en la que Leatherface embosca a un tipo con un solo golpe de martillo sin filo en la cabeza antes de cerrar la puerta de metal detrás de él). —Rachel Hass y Brent Ables

7. Año: 1931 Director: Fritz Lang

Es bastante sorprendente considerar que M fue la primera película sonora del director alemán Fritz Lang, quien ya había llevado al público una de las epopeyas mudas seminales en la forma de Metrópolis. Lang, un aprendiz rápido, aprovechó de inmediato la nueva tecnología al crear un núcleo de sonido para M y para el personaje del asesino en serie infantil Hans Beckert (Peter Lorre), cuyo distintivo silbido de "In the Hall of the Mountain King" es a la vez un motivo efectivamente macabro y un punto importante de la trama. Fue la película que llamó la atención de Peter Lorre en Hollywood, donde eventualmente se convertiría en un actor de carácter clásico: el pesado de ojos grandes y voz suave con un aire de ansiedad y amenaza. Lang citó a M años más tarde como su película favorita gracias a su comentario social de mente abierta, particularmente en la escena clásica en la que Beckert es capturado y llevado ante un tribunal canguro de criminales. En lugar de apoyar a los acusadores, Lang en realidad nos hace sentir por el asesino de niños, quien astutamente razona que su propia incapacidad para controlar sus acciones debería generar más simpatía que aquellos que han elegido activamente una vida delictiva. "¿Quién sabe lo que es ser yo?" le pregunta al espectador, y nos vemos obligados a admitir nuestra incapacidad para juzgar de verdad. —Jim Vorel

6. Peeping Tom Año: 1960 Director: Michael Powell

En cierto sentido, Peeping Tom de Michael Powell es una película meticulosa, humana y reflexiva sobre la mecánica y los impulsos emocionales que impulsan el proceso cinematográfico. En otro, es una película slasher sobre un asesino en serie y documentalista loco que asesina a personas con el trípode de su cámara. (El trípode tiene un cuchillo). Básicamente, Peeping Tom es precisamente tan tonto o tan serio como quieras leerlo, aunque por absurda que suene la premisa en la página, la película es cualquier cosa menos en la pantalla. De hecho, se consideró bastante controvertido durante un tiempo, y dependiendo de a quién le preguntes, aún puede serlo. Comprender por qué no requiere mucho trabajo pesado; Las películas sobre mujeres en peligro tienen una forma de poner nerviosa a su audiencia, y Peeping Tom lleva esa idea al extremo, dando a su lista de futuras víctimas poco espacio para respirar cuando Mark Lewis (Carl Boehm) se acerca a ellos, capturando su miedo aumenta exponencialmente de segundo a segundo a medida que se enfrentan a la creciente comprensión de sus muertes inminentes. Es una película difícil de soportar, como lo sería cualquier película sobre un psicópata con el hábito de asesinar brutalmente a las mujeres, pero también es completa, perspicaz, impecablemente hecha y brillantemente considerada. —Andy Crump

5. Badlands Año: 1973 Director: Terrence Malick

¿Por qué dos personas aparentemente normales se embarcaron en una ola de asesinatos a través del país, y qué es lo que hace que la suya sea tan sorprendentemente diferente de todas las otras películas sobre asesinos en serie a la fuga? Esas dos preguntas generales guían al director primerizo Terrence Malick en Badlands. Comienza con la narración de Spacek como Holly; toda su historia de fondo proviene de este primer monólogo, a través del cual se nos dice que su madre murió de neumonía y cómo, después de su muerte, "[su padre] nunca pudo ser consolado por el pequeño extraño que encontró en su casa". Luego, la película nos ofrece un montaje de imágenes de este pequeño pueblo de Texas antes de presentarnos a Kit (Martin Sheen), a quien se muestra trabajando como basurero. Kit ve a Holly haciendo girar un bastón frente a su casa y sus destinos están sellados. La trama básica de Badlands se extrajo de la ola de asesinatos de Charles Starkweather con su novia en 1958, pero Malick solo usa esa historia como un marco suelto para sus grandes preguntas sobre la naturaleza del mal y nuestra compulsión por ver películas como esta. “Nuestro sentido del pasado siempre está influenciado por nuestra comprensión actual del mundo (vemos el pasado a través del presente); y, sin embargo, nuestra comprensión actual del mundo está siempre influenciada y determinada por el pasado (vemos el presente a través del pasado)". La comprensión del teórico Leland Poague de la "teoría de la recepción" proporciona un marco ideal para el primer largometraje de Terrence Malick en 1973. Es imposible ver Badlands fuera de las lentes de su trabajo posterior, pero también es imposible ver su trabajo posterior fuera de las lentes de Badlands. —Sean Gandert y David Roark

4. La noche del cazador Director: Charles Laughton Año: 1955

Cine negro o de terror: ¿a qué categoría pertenece La noche del cazador de Charles Laughton? Francamente, todas esas sutilezas son innecesarias. La película encaja perfectamente bajo cualquiera de los dos nombres, por un lado: es una versión híbrida de ambos. Por otro lado, es una obra maestra, así que fíjate en las etiquetas. Night of the Hunter acecha en las sombras y se deleita en la misoginia. Ya sea que lo hayas visto o no, probablemente tengas la imagen de los nudillos tatuados de Robert Mitchum impresa en tu cerebro gracias a la ósmosis de la cultura pop. El reverendo Harry Powell es todo un villano, un hombre tan rápido en distorsionar la verdad con mentiras cubiertas de miel como Laughton lo es en distorsionar la realidad a través de una perspectiva oblicua, un desconcertante uso de las sombras y la luz, y una vertiginosa variedad de composiciones de cámara que hacen que las pequeñas ciudades West Virginia se siente completamente de otro mundo. —Andy Crump

3. Zodiac Director: David Fincher Año: 2007

Odio usar la palabra "serpenteante" porque suena como un insulto, pero el thriller de David Fincher de 2007 es serpenteante de la mejor manera posible: es una historia de detectives sobre la caza de un asesino en serie que entra y sale de lo aparentemente cientos de entornos diferentes, aumentando la tensión todo el tiempo. Jake Gyllenhaal es excelente como Robert Graysmith, un detective aficionado y el hilo conductor de la película, mientras que la historia se contenta con revelarle sus pistas y teorías lentamente, dejando al espectador, como Graysmith, en la ambigüedad durante largos períodos, pero aún sintiéndose como un quemador de ritmo rápido. No es la película más famosa de Fincher, pero es absolutamente uno de los thrillers más subestimados desde el año 2000. Hay pocas escenas en el cine moderno más tensas que cuando los investigadores interrogan por primera vez al actor de carácter no anunciado John Carroll Lynch, interpretando al principal sospechoso Arthur Leigh Allen, como su fachada. lentamente comienza a erosionarse, o eso creemos. La película es un testimonio del dolor y la frustración de tratar de resolver un misterio efímero que a menudo parece estar fuera de tu alcance. —ShaneRyan

2. El silencio de los corderos Año: 1991 Director: Jonathan Demme

A pesar de las secuelas grotescas, las precuelas menores y las numerosas parodias, El silencio de los corderos sigue siendo una obra de arte cinematográfica entre los dramas criminales y las películas de asesinos en serie, solo la tercera película en ganar los cinco anillos de oro de los Oscar: Mejor Película, Director, Actor, Actriz y Guión. La interpretación de Anthony Hopkins del asesino Hannibal Lecter demuestra especialmente el valor de rodear a uno de los actores más grandes del cine con un equipo de apoyo estelar, aunque el director Jonathan Demme maneja hábilmente la brocha de ese talento para llevar al público al mundo oscuro y sádico del Dr. Lecter. mientras los deja boquiabiertos ante los giros y vueltas de la espantosamente maravillosa historia del novelista Thomas Harris. Como sucede con todas las grandes películas, la segunda y la tercera visualización no disminuyen el viaje, sino que revelan aún más sutilezas de caracterización. Y el propio estilo de Demme detrás de la cámara hace que el mundo de primeros planos de El silencio de los corderos sea una inolvidable sala visual de grotescos. —Tim Basham

1. PsychoAño: 1960 Director: Alfred Hitchcock

El Grande. El más grande, quizás, aunque si no, sigue siendo bastante grande. Casi 60 años después de que Alfred Hitchcock desatara Psicosis en una cultura cinematográfica desprevenida, encontrar cosas nuevas que decir al respecto se siente como una tontería, pero oye: Cinco décadas y el cambio es mucho tiempo para que la influencia de una película continúe repercutiendo en la cultura popular, pero aquí estamos, viendo cómo los personajes principales pierden la cabeza en Game of Thrones, sus entrañas en The Walking Dead, o sus vidas, en un lenguaje menos florido, en películas como Alien, la copia de Alien Life y, quizás lo más importante, Scream, la película que es al terror contemporáneo lo que Psycho fue al cine de género en su día. Esa es más o menos la definición de "impacto" allí mismo (y todo sin siquiera una sola mención de Bates Motel de A&E).

Pero ahora estamos hablando de Psycho como una curiosidad más que como una película, y la verdad es que el impacto de Psycho es la consecuencia directa de la maestría de Hitchcock como cineasta y como narrador. Dicho de otra manera, es una gran película, una que es tan efectiva hoy como autoritaria: nunca has conocido a un slasher (proto-slasher, en realidad) como Norman Bates (Anthony Perkins), y no importa cuántas veces las películas intenten para replicar su personaje en la pantalla, nunca lo harán del todo bien. Él es, como Psycho mismo, único en su clase. —Andy Crump

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